Wir haben an dieser Stelle schon häufiger Aufnahmen von Keith Jarrett vorgestellt. 2022 tun wir dies jedoch mit einem weinenden und mit einem lachenden Auge. Die traurige Nachricht ist, dass der Pianist aufgrund von zwei Schlaganfällen schon eine Weile nicht mehr auftritt und nach eigenem Bekunden auch kein Klavier mehr auf dem bekannt hohen Niveau spielen wird.
Das lachende Auge verdanken wir der Möglichkeit, dass sein Label viele Auftritte des heute 77jährigen Musikgenies in der Vergangenheit mitgeschnitten hat und somit in den Archiven von ECM noch einige ungehobene Schätze darauf warten, das Licht der Öffentlichkeit zu erblicken.
Bei dem jetzt erschienenen „Bordeaux Concert“ handelt es sich um ein Album, das während seiner letzten Solotour 2016 im Auditorium der Opéra National de Bordeaux aufgenommen wurde. Es ist nach „Munich 2016” und „Budapest Concert” der dritte Mitschnitt von dieser Tournée.
Jarrett ist in der französischen Hafenstadt, wenn man das so sagen darf, in bestechender Form. Er improvisiert überwiegend kurze Stücke, deren Titel fortlaufend nummeriert sind.
Aber auch in diesen knappen Songs steckt der ganze Jarrett'sche Kosmos, dem wir seit Jahrzehnten erlegen sind, der sich als ein Mosaik aus traditionellem Jazz, aufblitzenden Standardmelodien, entspannten Melancholien, konzentrierten Improvisationen und klassischen Diskursen zusammensetzt. Doch im Grunde reichen diese Beschreibungen kaum aus, um die vorliegenden Klangwelten zu charakterisieren, denn wir hören auch folkloristische Zwischenspiele, Widersprüche aus der Moderne, sperrige Impressionen und tropfende Arpeggios. Alles greift bei seinem Klavierspiel ineinander, ist wie ein einziger großer Fluss, mit reißenden Stromschnellen und friedlichen Zonen, mit gefährlichen Untiefen und geheimnisvollen Abgründen.
Jarrett ist in der Lage, mit ganz wenigen Harmonien und Akkorden musikalische Kostbarkeiten entstehen zu lassen. Er wäscht voller Wehmut Gold aus dem Alltag und beflügelt damit jede Form der Poesie.
Jörg Konrad

Keith Jarrett
„Bordeaux Concert“
ECM

Erst war Verdi, dann kam Wagner, nachfolgend Beethoven, anschließend Bach und nun Ravel. Jedem dieser Koryphäen der Klassik tritt Dieter Ilg im Jazzkontext mit seinem regulären Trio selbstbewusst entgegen. Ein eingespielter und exzellent aufeinander abgestimmter Verbund, den der Bassist schon seit Jahren zusammenhält, um die Brücken, Übergänge und Gemeinsamkeiten dieser beiden Musikformen auszuloten. Eine Band, die swingt, zugleich das intellektuelle Ass ausspielt und auf diese Weise Grenzen sprengt.
„Sein geistiges Reich ist zeitlebens eine differenzierte und raffinierte Kinderstube geblieben“, schreibt H. H. Stuckenschmidt in seiner Biographie von 1966 über Maurice Ravel. Verspielt wie auch präzise war der Franzose und als Tonsetzer zur ersten Garde der Impressionisten gehörend. Und dieses Impressionistische, dieses Flüchtige, den Augenblick ästhetisch betonende, ist das eigentliche musikalische Refugium Ilgs und seiner beiden Mitstreiter. Der Bassist ist ein rhythmischer Seiltänzer, der sich ohne Netz und doppelten Boden zwischen den wuchtigen Felsen der Klassik und des Jazz bewegt. Denn er kann beides! Ilg brilliert mit weichem und perfektem Ton im klassischen Fach und er bewegt sich virtuos und unbelastet (aber respektvoll) improvisierend im Jazzidiom. Rainer Böhm findet immer den perfekten Ansatz, umgleitet Grenzen, wenn nötig überspringt er diese auch kraftvoll. Er brüllt am Flügel wie einst der coltraneske McCoy Tyner („Trio“), oder beschwört in tröstender Melancholie den Raum zwischen Vergangenheit und Gegenwart („Le Jardin féerique“).
Patrice Héral hält am Schlagzeug alles zusammen, setzt selbst Impulse, gibt den Imprivisationen sensiblen Schub und lässt die gesamte Musik organisch leuchten. Auf „Ravel“ sind Dank dem Miteinander der Solisten Zwischenräume ausgefüllt, ist der Eindruck von Geschlossenheit das Vorherrschende dieser Aufnahme – egal in welchem Register.

Schon die ersten Töne auf diesem Album deuten an, wohin die folgende musikalische Reise führt. Enrico Rava und Fred Hersch, der italienische Trompeter und der US-amerikanische Pianist, gehören zu den begnadeten Geschichtenerzählern und leidenschaftlichen Poeten unter den zeitgenössischen Improvisatoren. Und sie haben hier, auf ihrem ersten gemeinsamen Album, eines der ergreifendsten Statements im Bereich des Jazz der letzten Jahre aufgenommen. Denn ja, auch im Jazz darf schön gespielt werden, darf man in ästhetisch ausgereiften und lyrischen Klangwelten schwelgen. Ohne dass zuckersüße Banalitäten bemüht werden, oder eine triviale Unverbindlichkeit zum Zuge kommt.
Hier sind zwei Musiker am Werk die klingen, als hätten sie schon ein ganzes Leben miteinander gespielt. Dahinter steckt aber einzig ihre Persönlichkeit und natürlich auch ihr traumwandlerisches Können. Sie sind erfahrene und vor allem sensible Instrumentalisten, für die stets ihre Mitmusiker von immenser Bedeutung waren. Rava und Hersch können zuhören und empathisch (aufeinander) reagieren, auch dann, wenn sie aus ihrem jeweils unglaublichen Erfahrungsschatz mit Hingabe zitieren. Sie haben Ideen und Fantasien, gehen zurückhaltend Risiken ein (ohne den Nebenmann zu übertönen), verlustieren sich in der Vergangenheit und haben zugleich genug Potenz, um neue Wege musikalisch auszuprobieren. Und so werden wir in diesen entsetzlichen Zeiten (Ohren-)Zeuge eines stilvollen und stark berührenden Dialogs, der von Verständigung und friedvollem Miteinander handelt. Hier gehen passionierte Substanz und visionäre Entschlossenheit Hand in Hand. Da macht es auch überhaupt nichts, wenn das letzte Stück, Thelonious Monks unverwüstliches „Round Midnight“ allein Fred Hersch gehört. „The Song Is You“ ist mindestens das Album des Jahres 2022!

Es ist erst ein paar Wochen her, da berichteten wir von einem besonderen musikalischen Spektakel in München - von der mutmaßlich weltweit ersten Oper, die auf einem Riesenrad präsentiert wurde (https://kultkomplott.de/Permalink/Artikel/2608/#article_anchor_2608 ). Komponist dieses Werkes, das im Rahmen des „Out Of The Box“-Festival im Riesenrad „Umadum“ uraufgeführt wurde, ist Christian Muthspiel, gestandener und mit Auszeichnungen hochdekorierter Jazzer aus Österreich.
Muthspiel gehört zu den vielseitigsten und aktivsten Komponisten und Instrumentalisten der Szene. Geboren in Judenburg in der Steiermark studierte er in Graz Posaune im klassischen Fach und im Bereich Jazz. Und genau in diesem Spannungsfeld siedelt sich sein Musik bis heute an, wobei vielleicht eines seiner ersten Alben vom Titel her exemplarisch für seine gesamte Arbeit bisher ist: „Aus dem Tagebuch der Grenzgänger“ (eingespielt vom Orchesterforum Graz). Muthspiel hat Klavier-, Violin- und Posaunenkonzerte geschrieben, Kammer- und Schauspielmusik verfasst, er interpretierte Renaissancemusik und ist natürlich mit unterschiedlichsten Jazzprojekten unterwegs.
Dieser Tage erschienen bei Universal insgesamt vier CDs mit Werken Muthspiels, von denen zwei in den zurückliegenden über drei Jahrzehnten aufgenommen wurden („Diary – Selected Recordings 1989-2022“), wobei die beiden anderen aktuelle Aufnahmen seines Projektes Orjazztra Vienna beinhalten („Homecoming – Live“).
Hinzu kommt noch ein Album, das im Zusammenspiel mit dem amerikanischen Bassisten Steve Swallow aufgenommen und jetzt auf Vinyl veröffentlicht wurde. Muthspiel tourte in den Jahren 2013/2014 mit einem Quartett, zu dem auch Swallow gehörte, quer durch Europa und hinterließ bei diesen Konzertereignissen ein stets begeistertes Publikum. Anschließend gingen der Posaunist, der hier auch Klavier und Flöte spielt, und der Bassist ins Studio und es entstand „Simple Songs“.
Alle drei Arbeiten zusammen machen Muthspiels unglaubliche musikalische Bandbreite deutlich. So sind auf „Diary“ Aufnahmen mit Steve Swallow und dem österreichischer Dichter und Schriftsteller Ernst Jandl im Duo zu erleben, Muthspiels Yodel Group, in der er sich in Starbesetzung der alpenländischen Stimmakrobatik widmet ist vertreten, wie auch einige Duoeinspielungen mit seinem Bruder Wolfgang Muthspiel an der Gitarre; weiterhin dem Octet OST mit Tomasz Stanko aus Polen, Sainkho Namtchylak aus der autonomen russischen Republik Tuwa und Anca Parghel aus Rumänien, Trio-Aufnahmen mit dem unvergesslichen Paul Motian am Schlagzeug und Gary Peacock am Bass.
„Homecoming“ ist das Ergebnis dreier „Streaming Abende“ im Wiener Jazzclub „Porgy & Bess“. Live aber ohne Publikum eingespielt, was dem damaligen Pandemie-Lockdown geschuldet ist. Trotz dieser äußeren Umstände ist die Musik lebendig, vital, beeindruckt durch ihren unorthodoxen und doch so disziplinierten Stil. Eine wilde, ein ungezügelte Musik, transparent in den Arrangements, bluesig in ihrem Duktus und manchmal auch einfach zum heulen schön.
„Simple Songs“, die Zusammenarbeit mit Steve Swallow, ist dann eine von den instrumentalen Stimmen völlig reduzierte Arbeit, akustisch aufgenommen, wobei der Reiz in der Einfachheit der Umsetzung des musikalischen Materials liegt. Der Klang ist klar, glänzt in einer Art Naturverbundenheit – schlicht und faszinierend. Muthspiel, von dem acht der insgesamt zehn Kompositionen stammen, hat sich von kargen, aber nie banalen Ideen leiten lassen, die teilweise ein wenig verspielt klingen, aber letztendlich doch das Sparsame, die Balance mit seinem Bass-Partner in den Vordergrund stellen.
Drei Alben, die allesamt in ihrer Vielfalt und zugleich in ihrer Qualität beeindrucken und nachdem Christian Muthspiel vor einiger Zeit sich entschlossen hat, seine Laufbahn als Instrumentalist zu beenden, eine wunderbare Werkschau seines bisherigen Schaffens darstellen. In der letzten Woche beging Christian Muthspiel seinen 60. Geburtstag. Herzlichen Glückwunsch und danke für diese großartige Musik von dieser Stelle.

Was für ein Pianist. Er gehört zu jenen Musikern, die dem Jazz seit vielen Jahren ein eigenes, ein europäisches Gesicht geben. Natürlich war auch Enrico Pieranunzi zu Beginn seiner Karriere von den amerikanischen Klavierheroen der improvisierten Zunft beeindruckt. Allen voran von Bill Evans, dem spätromantischen Improvisator des Jazz. Er faszinierte Pieranunzi, ließ ihn Musik regelrecht fühlen und formte seine Spieltechnik. Doch der Italiener verleugnete aber auch nie seine klassischen Wurzeln und beschwor stets den musikalischen Spagat zwischen den Kontinenten. So kann er heute auf eine ausdrucksstarke Spielweise zurückgreifen, die ihn jenseits aller Stile als beeindruckenden Individualisten auszeichnet. Zudem ist Pieranunzi unglaublich aktiv, tourt und veröffentlicht Alben, wie kaum ein anderer.
Eine Besonderheit nimmt in seiner Discographie die Arbeit im Duo ein. Hier, im Dialog mit ausgesuchten Partnern, kann er seine ganze musikalische Fantasie ausspielen, die Kunst der persönlichen Empathie zelebrieren, kann die Ideen seiner Mitspieler aufnehmen und weiterführen, kann klanglich Rede und Antwort stehen. Jasper Somsen, holländischer Bassist und schon mehrmals mit Enrico Pieranunzi im Aufnahmestudio, hat „Voyage In Time“ als eine neunsätzige Suite komponiert. Sie zeigt starke Bezüge zur Barockmusik und schafft so eine Verbindung zwischen strenger Komposition und spontaner Improvisation. Was die beiden hier musikalisch umsetzen ist virtuos gespielt und sentimental im Ausdruck, raffiniert im Klang und vor allem radikal demokratisch in der Umsetzung. Weitab jeder Routine suchen Pieranunzi und Somsen nach unbespielten Plätzen, nach diesseitigem Neuland – und sie finden diese seltenen wie wertvollen Oasen der Inspiration auch immer wieder. Dies ist ausschweifende Melancholie auf ihrem Höhepunkt.

Der musikalische Kosmos des Stephan Thelen kennt wenig Grenzen. In seinen musikalischen Wanderungen durch die Soundlandschaften der Gegenwart finden Rock und Jazz, Funk und Minimal, Ambient und Progressiv stets auf Augenhöhe zueinander. Ineinander greifende Grooves, mäandernde Gitarrenchoräle, klug organisierte Arrangements münden in verzehrende Hochspannung und sind dabei die deutlichsten Kennzeichen seiner Musik. Zudem gelingt es ihm, in seinen Projekten instrumentale Individualitäten zu integrieren und einen artifiziellen Gruppenklang zu formen. Nie klingt dieser trotz ambitionierter Herangehensweise angestrengt oder akademisch aufgesetzt. Stattdessen entspannt, wie beiläufig Räume durchmessend, letztendlich fließend und wie aus einem Guss.
Der Gitarrist, Komponist und Mathematiker Thelen löst auch auf dem neuen Album „Fractal Sextet“ provozierende Widersprüche unterschiedlicher Genre spielerisch auf. Die Ideen sind ebenso klug gestaltet wie emotional wirkungsvoll. Erstmals setzt er sein Fractal-Projekt im Sextett-Format um. Ein Bassist, zwei Schlagwerker, ein Pianist (und Synthesizerspieler), plus zwei Gitarren. So wirkt die Musik mit seinen Kontrasten und Effekten energiegeladener.